“Sexo, Drogas e Rock ‘n’ Roll” é um antigo lema que é ensinado quase que de pai para filho quando falamos de Rock ou Metal no mundo inteiro. Mas poucas vezes o primeiro elemento desse triunvirato tem sido abordado no meio Rocker há alguns anos no Brasil. Mas ainda bem que tem gente que está fazendo, e outros que estão mostrando coragem e pondo a cara no mundo. E o THREESOME, de Campinas (SP), é um deles. E após o álbum “Get Naked”de 2014, o quinteto vem de novo com um EP, “Keep On Naked”.
Com uma vibração crua e certeira, o grupo se mostra influenciado pelo Rock ‘n’ Roll dos anos 60 e 70 (mas com óbvia pegada atual), alguns toques de Alternativo, Indie, além de um pouquinho de Blues e Jazz. Novo? Não, mas nas mãos dos membros do quinteto, a velha fórmula ganha uma vida nova toda deles, cheia de energia e com ótimas melodias, daquelas bem acessíveis. E dessa forma, a música do THREESOME nos envolve e seduz com facilidade.
A produção do EP é de primeira.
As mãos do conhecido produtor Maurício Cajueiro (que já trabalhou com nomes como LINKIN’ PARK, STEVE VAI, GLENN HUGHES, GENE SIMMONS, STEPHEN STILLS, entre outros), que captou, fez a mixagem e a masterização do EP no estúdio Cajueiro, em Campinas mesmo. E não estranhem se a sonoridade lhes soar extremamente orgânica, pois foi tudo gravado direto em fita de rolo. Ou seja, analógico, mas sempre tendo em mente que a sonoridade crua e ceia de energia não poderia se tornar suja demais (pois o trabalho do quinteto pede algo bem acabado), logo, tudo pode ser ouvido com clareza e com excelentes timbres.
A capa de “Keep On Naked” é de Juh Leidl (vocalista da banda, e que também é artista plástica). A sensualidade e apelo são sensíveis, mas nada depravado. É bonito e com classe.
A sujeira e espontaneidade na música do THREESOME é algo muito claro aos ouvidos. Muita energia, mas sempre com músicas bem feitas, arranjos em que se percebe que a banda pensa bem no que faz, mas sem que se perca a leveza e espontaneidade. E as letras, que falam de sexo, pegam em uma visão um pouco mais rebuscada, tratando o assunto de um ponto de vista que valoriza as relações humanas, mas a estética lírica foge do comum.
Das 3 músicas do EP, duas são regravações do primeiro álbum da banda: “Why Are You So Angry?” se tornou “Sweet Anger”, e “Every Real Woman” aqui se chama “ERW”. Ambas possuem a mesma energia e pagada de suas originais, apenas soando atualizadas e mais densas devido à produção analógica (a primeira pesada e com uma energia fascinante, além de ótimas guitarras; enquanto a segunda é mais acessível, mas com boa dose de agressividade e mostra uma presença firme e de primeira de baixo e bateria). E “My Eyes” é inédita, com um andamento que não é rápido e nem lento, com maior enfoque nos vocais masculinos, o que a deixou mais agressiva que as outras, mas mesmo assim a estruturação harmônica e melodias são excelentes (repare que os vocais femininos também surgem bastante em certos momentos).
O THREESOME é uma ótima banda, com um trabalho realmente excelente. Uma ouvida em “Keep On Naked”, e você estará fisgado!
Apostar no Hard Rock/Rock ‘n’ Roll dos anos 70 já se mostrou uma tendência consolidada, permitindo que boas bandas surjam por todos os cantos que possamos imaginar. No Brasil, estão alguns dos melhores nomes do gênero, uma vez que o sangue mestiço do brasileiro, somado ao Groove e pegada do estilo sempre rende coisas muito boas. E eis que o sexteto SILVER MAMMOTH, um dos nomes mais fortes do estilo por aqui, retorna com mais um trabalho, dessa vez um Single, chamado “Silver Mammoth Singles”.
O grupo faz um Hard Rock vigoroso e forte, com ótimas doses de Groove e psicodelia sonora, remetendo bastante aos anos 60 e 70, mas sem que soe datado para os ouvintes. Óbvio que existem aqueles elementos envelhecidos, mas nas mãos de quem sabe o que faz, sempre rende bons frutos. E esses sujeitos sabem muito bem o que estão fazendo, conhecem a coisa, e por isso, flui deles uma música provocante, cheia de melodias bem feitas e detalhes interessantes, mas com boa dose de peso. Não é à toa que foram um dos destaques de “Going to Brazil... The Brazilian tribute of Motorhead”, com uma versão ótima para “White Line Fever”.
O Single foi produzido por Marcelo Izzo e Rafael Agostino. E na sonoridade transparece a preocupação de soar claro e inteligível para o ouvinte. E nessa sonoridade bem cuidada (que não deixa de ter a devida crueza necessária), com bons timbres instrumentais, o trabalho musical do grupo se agiganta, pois peso, melodia e Groove fluem em doses homeopáticas, mostrando que não é necessário soar empoeirado ou bolorento para se fazer um trabalho nesse estilo musical.
E a arte é assinada por João Duarte, um designer bem conhecido (que fez a arte de “Mindlomania”, disco anterior do sexteto), onde se vê uma apresentação mais simples, direta e funcional estabelecendo que o foco é mesmo na música.
O SILVER MAMMOTH evolui de trabalho em trabalho, sempre nos mostrando uma consensualidade entre o que já fez e o que está fazendo. Mais uma vez: longe de soar datado, a música deles é cheia de energia, cativante e sedutora. Bem arranjada, mas sem que perca a espontaneidade, o trabalho é de primeira.
Em “Let Me Hide You”, um Groove melodioso e cativante nos seduz logo de cara, com uma música rica em detalhes e com um ótimo refrão, excelentes guitarras e teclados perfeitos, fora um peso enorme. Com um swing que remete ao Boogie Rock da virada dos anos 60 para os 70, “Coup to The End” vem com enfoque no lado pesado, mas novamente com um refrão envolvente, além de um trabalho de baixo, bateria e vocais de primeira.
Infelizmente, “Silver Mammoth Singles” só têm essas suas canções, deixando um acentuado gosto de “quero mais” no ouvinte. E um conselho aos apaixonados por vinil: esse Single foi lançado exclusivamente no formato 7”, logo, aproveitem!
No Brasil, formas de se tocar Metal Old School e modernas convivem em relativa harmonia. Óbvio que sempre existirá a dicotomia entre fãs dos gêneros, embora não faça sentido: Metal é Metal, e pronto. E pode parar com mimimi, teorias, explanações, pois não faz sentido. Gosto alheio não é regra. Há sempre bons trabalhos em ambos os lados, logo, se pode ter o melhor dos dois mundos, para que ficar de briguinhas infantis? O que hoje chamam de Old School já foi novo, e triturado por veteranos.
Em uma vibe moderna, um jeitão bruto e agressivo de ser, vem o quinteto LEGACY OF KAIN, de Curitiba (PR). E finalmente com seu primeiro álbum, chamado “I.N.V.E.R.S.O.” e que vem para somar.
Estilisticamente, podemos dizer que o LoK (se me permitem o uso da sigla) faz um Thrash/Groove Metal abrasivo e com referências à bandas como MESHUGGAH, e outros pelo uso de guitarras de 8 cordas e baixas afinações (mas com solos melodiosos), vocais urrados em timbres guturais à lá PANTERA, e uma sessão rítmica densa e técnica, esbanjando peso em tempos muitas vezes quebrados. Se pode não soar novo, é cheio de energia e vitalidade, além de soar algo cheio de personalidade.
Dessa forma, se percebe que o LoK vem com um trabalho muito forte e consistente.
A produção ficou a cargo das mãos cuidadosas de Karim Serri (guitarrista do grupo e conhecido produtor no cenário local). E assim, se percebe que a sonoridade de “I.N.V.E.R.S.O.” é fluida, densa e pesada, com um toque abrasivo evidente. Mas ao mesmo tempo, há uma clara preocupação em soar compreensível para os ouvidos alheios, logo, se tem uma qualidade sonora muito boa.
Em termos de arte gráfica, Carlos Fides (da Artside) criou a capa de “I.N.V.E.R.S.O.”, deixando claro o conteúdo caótico das letras. Se repararem bem, há uma clara referência sobre a capacidade do ser humano agredir e destruir seu semelhante.
Raivoso e com boas melodias (especialmente nos solos), o LoK mostra um trabalho bem consistente e pessoal. Dentro dos estilos mais modernos, melodias tão bem definidas e timbres mais claros não são comuns, mas eles fizeram assim. Além do mais, a música do grupo é rica em arranjos bem feitos, a estética está imperando sem exageros. Sim, é bom demais!
Embora exista uma homogeneidade bem grande no disco, podemos dizer que os melhores momentos do disco estão em “Condenados” e suas boas levadas ganchudas (e reparem bem nos solos melodiosos), o tom abrasivo e inebriante das guitarras em “I.N.V.E.R.S.O.” (que possui melodias muito bem feitas e bonitas, riffs técnicos, mas reparem como baixo e bateria criam um peso absurdo, além de mostrarem uma técnica espantosa), a raiva anárquica de “Distrito F_deral”(que transpira agressividade e energia, recheada de bons vocais e uma muralha de guitarras de primeira), a energia crua Thrash/Djent Metal de “Frieza no Olhar” em suas partes mais cadenciadas, o mix de melodias bem pensadas e agressividade em “Vozes” (onde baixo e bateria mais uma vez se destacam por conta das mudanças de ritmo), a envolvente “Anestesia” e seu jeito mais lento e bruto, o enfoque na solidez sonora em “Epiphania”(mesmo alguns efeitos são ouvidos aqui e ali), e o trabalho vocal de primeira ouvido nos tons agressivos de “Não Justifica”.
O LoK veio para ficar, logo, não adianta choro ou mimimi. Se tentarem fazer isso, o atropelamento é certo.
E “I.N.V.E.R.S.O.”é um ótimo disco, verdade seja dita!
Hoje, o cenário do Metal nacional ficou mais triste: infelizmente, Cherry Taketani, guitarrista do NERVOCHAOS, faleceu hoje pela manhã. A causa mortis, conforme divulgado, foi câncer.
Veterana do cenário nacional, Cherry é conhecida por ter tocado e cantado em bandas como OKOTÔ nos anos 90, e pouco antes de entrar no NERVOCHAOS, estava trabalhando com sua banda, HELLSAKURA.
Muito querida pelo público e integrantes de outras bandas, a notícia chocou a todos, especialmente pelo bom momento vivido por Cheery no NERVOCHAOS, que está fazendo show de divulgação de “Nyctophilia”.
Ficam a saudade, a dor da perda, mas o agradecimento de todos que a conheceram, seja pessoalmente, seja pelo seu trabalho.
O Metal Samsara apresenta seus mais sinceros sentimentos à família, parentes, amigos, parceiros de bandas, fãs e admiradores, enfim, a todos que conheceram-na em pessoa ou pelos discos. É uma grande perda para todos nós...
OM SHANTI, Cherry, parta em paz, obrigado por tudo, e Rock in Peace...
Discos lançados: “Pain is Inevitable” (Split, 2011); “Hellstouch” (Coletânea, Shinigami Rec, 2012); “Tales of the Dark Cult” (Shinigami Rec, 2015)
Formação atual: Val Oliveira (vocals), Henrique Coqueiro (guitar), Daniel Iannini (bass), Eric Dias (drums)
Cidade/Estado: Salvador, Bahia
BD: Como a banda começou? O que os incentivou a formarem uma banda?
Val Oliveira: A banda começou através de contatos via Orkut, acredite. Eu, Val Oliveira, tinha encerrado minha antiga banda um ano antes, e uma amiga minha disse que tinha uns garotos querendo montar uma banda com pegada Thrash e procuravam um vocalista. Fui encontrar eles, e nessa contatei um guitarrista, que era o Henrique. Tivemos uma reunião, marcamos um ensaio e começamos a compor. A meta, que estipulei, era só tocar quando tivéssemos sons suficientes para um show razoável, e pensamos desde o inicio em gravar algo oficial. E fomos compondo, até que surgiu a hora de entrar em estúdio e registrar o material que tínhamos, e que foi a base do EP “Hell of the Living Dead”, parte integrante do Split “Pain is Inevitable”. A meta da gente sempre foi compor algo visando futura gravação e shows, e não se prender muito a estilos e rótulos, mas com uma base no Thrash e no Death Metal.
BD: Quais as maiores dificuldades que estão enfrentando no cenário?
Val: Shows escassos, poucas casas de shows, segmentação e segregação de estilos e produtores duas caras, picaretas, fora as já clássicas e famosas panelas, que aqui é algo muito forte, e desvalorização das bandas.
BD: Como estão as condições em sua cidade em termos de Metal/Rock? Conseguem tocar com regularidade? A estrutura é boa?
Val: Está tendo eventos, mas muita coisa que rola é cover, ou shows com as mesmas bandas, nos mesmos locais, as velhas coligações. Como nos recusamos a fazer parte de panelas, ai não temos tocado muito. Na verdade, temos tocado cada vez menos. Ultimo show que fizemos foi novembro de 2016. Resolvemos então focar em compor para um futuro segundo Full Lenght. Parte da banda, para não ficar estagnado, montou alguns projetos paralelos. Em termos de estrutura, as poucas casas que tem aqui, tem uma estrutura razoável a boa. As casas melhores não costumam abrir espaço para Metal, ou para bandas menores.
BD: Hoje em dia, muitos gostam de declarar o fim do Metal, já que grandes nomes estão partindo, e outros parando. Mas e vocês, que são uma banda, como encaram esse tipo de comentário?
Val: O Metal nunca vai acabar. Vai se renovar, mas com uma nova leva de pessoas que não consome musica, que baixa, não liga pra encarte, para quem compôs, não apóia, não vai a shows, na compra matéria, ai fica tudo mais difícil. Creio que vá ser difícil alguma banda chegar no patamar que o Metallica, Maiden, Sabbath entre outros medalhões estão. Não há mais o tanto de vendas como antigamente. Mas o Metal é um estilo forte, e tem uma base de fãs, admiradores fiéis. Vai continuar, vai se renovar, e sobreviver. Só que como eu disse, bandas pequenas terão que ralar muito para sobreviver, ter um lugar ao sol. Vendas não garantem mais nada, e sim shows, divulgação nos diversos meios. Tem que mostrar a cara e cativar audiência.
BD: Em termos de Brasil, o que ainda falta para o cenário dar certo? Qual sua opinião?
Val: Mais espaço para as bandas, sejam elas pequenas e novas, médias e grandes. Mais união, coisa que é complicada por diversos motivos. Mais espaços para shows, e eventos. Mas, nada disso adianta sem o público, que vá a shows, que consuma material e apoie bandas e o cenário. O que é complicado, devido a segmentações, as divergências, ao radicalismo, e às ideias retrógradas que envenenam e se espalham. Se não gosta de algo, deixa lá, cada um tem o direito de curtir o que quiser. O importante é respeito, e seguir curtindo o som, e fortalecer o cenário.
BD: Deixem sua mensagem final para os leitores.
Val: Obrigado pelo espaço cedido, Marcos. O Metal Samsara é um importante veículo de divulgação e comunicação. E esperamos que os leitores e seguidores curtam nosso som, e apoiem as bandas novas do cenário nacional, e procurem conhecer o que existe no underground brasileiro. Stay Metal!
No mundo: No final dos anos 80 e início dos anos 90, o Metal sofreu uma grande reviravolta no mundo inteiro. Com a saída do Hard Rock/Glam Metal da evidência nas rádios, revistas e MTV e chegada do Grunge e Alternativo, o estilo ficou ilhado na Europa, como havia ocorrido no início da Idade Média com a queda do Império Romano e as invasões bárbaras. O Thrash Metal americano também dava sinais de cansaço, e seu espaço começava a ser tomado pela segunda leva de bandas de Death Metal vindas da Flórida e da Suécia. E no submundo do underground, o Black Metal começava a ressuscitar na Noruega, Grécia Finlândia e Suécia. Já em 1996, o Black Metal havia tomado o espaço do Death Metal como estilo mais proeminente do Metal extremo, e o Grunge começava a desaparecer e o Metal a se fortalecer mundialmente mais uma vez.
No Brasil: em 1993, uma crise financeira absurda assolava o país, legado do regime militar e que recebeu continuidade dos primeiros governos da democracia brasileira. E essa mesma crise comprometia muito do cenário Metal, com bandas incapazes de se sustentarem e acabando, com parco acesso a instrumentos e equipamentos musicais importados (os nacionais eram terríveis). Os mais jovens lutavam para se manterem vivos nos porões do underground. E assim como na Europa, o Black Metal começou a ganhar nova vida enquanto o Death Metal estava mais proeminente. Em 1996, com a economia mais estabilizada e o poder aquisitivo melhor, as bandas já conseguiam respirar, e enquanto muitas pararam, outras chegaram ao sucesso, o underground fervia.
E na escuridão, o MORCROF, veterano do Black Metal de São Paulo, começava sua saga. E em pleno auge da crise econômica do país, em janeiro de 1994, a banda lançou seu primeiro registro sonoro, a Demo Tape “A Future Not So Far”, e em 1996, surgiu com a segunda Demo Tape, “Scientia Ab Mortuus”. E ambas estão sendo relançadas agora pela Erinnys Productions.
Nas épocas de cada uma, o formato K7 ainda era o usual (somente mais próximo ao final dos anos 90 é que os Demos CDs se tornariam mais usuais e populares).
Formação que gravou “A Future Not So Far” em 1993 e em 2017.
Em “A Future Not So Far”, O MORCROF mostrava-se bem influenciado pelas bandas de Death Metal mais sinistras da época, mas em geral, com a mesma aura sombria que permeia seus trabalhos até os dias de hoje. Já se percebe muito da carga obscura dos tempos mais cadenciados que o Black Metal grego primordial mostrava. Isso nos permite observar uma consensualidade no trabalho do grupo desde a época até os dias de hoje. Óbvio que na época eles possuíam mais de BENEDICTION, NAPALM DEATH e outras da escola inglesa do gênero do que de VARATHRONe ROTTING CHRIST, mas já mostrava-se uma banda focada em criar algo mais soturno e climático do que veloz e explosivo.
Dois anos depois, lançando “Scientia Ab Mortuus” já mostra o MORCROF bem mais voltado ao Black Metal atmosférico sinistro que os caracteriza nos dias de hoje. Os teclados dão uma ambientação fúnebre, com riffs mórbidos e a base rítmica já mais diversificada em andamentos mais cadenciados, e os vocais continuam focados nos timbres guturais de antes, mas já permitindo alguns urros rasgados e vozes normais vez por outra. As melodias soturnas da banda finalmente surgem aqui, e assim, fica evidenciada a diferença estilística leva muitos a considerar este trabalho o início real do grupo.
Em termos de qualidade sonora, “A Future Not So Far” é podre e crua, com uma sonoridade suja bem característica de seu tempo (lembrando: crise econômica = pouco poder aquisitivo = menor possibilidades em estúdio). E “Scientia Ab Mortuus” ostenta uma qualidade melhor (momentos mais limpos são bem claros os ouvidos, assim como os teclados), embora ainda seja crua devido ao estilo sonoro em si e aos timbres usados.
Em termos de artes, “A Future Not So Far” recebeu uma nova arte, que transparece as características gráficas originais, apenas para uma apresentação melhor, e é um desenho chamado “The Demons of Yanaidar”, que consta na página 52 do número 18 da revista “A Espada Selvagem de Conan”, lançada em 1986 pela Editora Abril, São Paulo, feita por John Buscema (o artista mais conhecido em seus desenhos do personagem) e Tony De Zuninga. E o formato é o conhecido cardboard sleeve, a capa que lembra um vinil.
Já “Scientia Ab Mortuus”manteve a capa original, só adaptada para CD, mas com encarte e também no formato cardboard sleeve.
O relançamento de ambos os trabalhos, como mencionado acima, nos permite observar que existem características comuns em ambas as fases, e algumas que permanecerão na personalidade da banda após tantos anos. Além do mais, tanto “A Future Not So Far”como “Scientia Ab Mortuus” possuem enorme importância histórica para aqueles que buscam conhecer o que é feito em Metal aqui nesses anos de muitas lutas.
Em “Future Not So Far”, a banda mostra um trabalho ainda no estágio inicial, bem Death Metal. Mas se repararem direito, aquela aura opressiva que todos conhecem dos trabalhos futuros da banda se mostra em muitos momentos, especialmente em “Concentration Camp (Yourself)”, “Rotten Food” (reparem em alguns momentos mais técnicos de baixo e bateria), “It’s Explanation Is Your God”, e na instrumental “Lastimation”. Mas nessa edição, ainda existem duas faixas extras, “Ambicionato”e “The Morcrof (Souls to Capture)”, que soam ainda mais podres que as anteriores. Mas tenham em mente que este material tem mais de 20 anos de lançamento. E aqui, temos a participação de Caecus Magice nas guitarras e Feralis na bateria.
Em “Scientia Ab Mortuus”, já nota-se a presença de novos membros: Pétros Nilo nas guitarras, e B. Gênes Hajj-Ahriman na bateria, além de R. Bressan assumir os teclados (além das guitarras, como antes).
Agora, em termos de sonoridade, o MORCROF já se mostra mais maduro e coeso, e toda a carga do Black Metal helênico que os influenciou está presente. Mas isso não quer dizer que a banda não tenha personalidade, longe disso: quem os conhece, os respeita por saberem o quanto sua música é pessoal. E outro traço que surge neste trabalho e permanece até os dias de hoje são as canções longas. “Portal to the Knowledge/Buried Alive Existence” é recheada de boas melodias e ótimos vocais, além da base rítmica estar de primeira, assim como a procissão fúnebre denominada “Nihilism (Prophect Conjecture)”, também cadenciada e cheia de belos teclados e guitarras em riffs criativos. E ainda temos um bônus, a versão ao vivo da banda para “The Forest N’Gai”, do ROTTING CHRIST, gravada no “Evil Prayer To The Knowledge Fest” de 1995, onde a crueza impera (mas o que esperar de uma gravação ao vivo da época?).
No mais, tanto “A Future Not So Far” quanto “Scientia Ab Mortuus” são obrigatórios aos fãs de Metal extremo, e também para aqueles que gostam de acompanhar a história do Metal brasileiro.
Se existe um fator que sempre auxilia bandas é a evolução, o amadurecimento. Não há músico, banda, projeto em que a ação dessa força motriz não se faça presente. Os anos de experiência, a estrada e os ensaios, tudo isso importa. E o HOT FOXXY, quinteto de Curitiba, mostra isso em “Burning Bridges”, seu mais recente trabalho.
Muita influência do bom e velho AOR/Glam Metal dos anos 80, percebe-se que o grupo tem um trabalho livre de qualquer pretensão que não seja fazer música de alta qualidade, acessível, melodiosa e (obviamente) divertida. Óbvio que se percebe que o grupo soube dar uma arranjada muito boa em suas composições, que soam maduras, bem feitas e cheias de energia, com refrãos muito grudentos e todos os elementos que o estilo tem. Mas ao mesmo tempo, se percebe que o grupo ostenta uma personalidade, buscando serem eles mesmos, e não uma cópia de outros nomes. Nisso, o quinteto acertou em cheio.
A produção é assinada por Alysson Irala, guitarrista e compositor curitibano de bandas como SAD THEORY, MOTORBASTARDS, SHADOW MAZE,entre outras. E dessa forma, a sonoridade de “Burning Bridges” é muito boa, evidenciando a veia melódica do quinteto, sendo limpa e deixando os timbres da banda soando muito bem aos ouvidos. Mas óbvio que há peso, mas aquele necessário apenas. Obviamente que poderia ser melhor (a banda merece, digamos de passagem), mas está muito bom. E, além disso, a capa ficou muito legal, dando a ideia de que o grupo não tem medo de ousar.
Ótimos arranjos, músicas maduras, e a ousadia de quem quer sair do ponto comum, mas sem desvirtuar-se do estilo que escolheu, o HOT FOXXY é uma banda excelente para comerciais de cigarros, como os dos anos 80 onde grandes hinos do Hard/AOR passavam na TV toda hora. E se preparem para ficarem grudados no lugar, pois “Burning Bridges” é assim: um disco que nos faz prender a respiração. E ainda temos a participação especial de Gabi Nickel nos vocais na versão acústica “Getting Over You”, e de Humberto Sprenger nos pianos na belíssima versão instrumental de “Redhead Rocker” (que fecha o disco).
Basta ouvir as melodias sedutoras da excelente “Redhead Rocker” (que trabalho excelente de guitarras e vocais, e que refrão grudento dos infernos, pois é ouvir e sair cantando), o trabalho bem arranjando em termos de harmonias de “Clear Moon” (outra bem acessível, mostrando a força da base rítmica do quinteto), o Hard ‘n’ Heavy forte de “Burning Bridges” (onde se percebem influências de Metal tradicional à lá NWOBHM nos arranjos), a balada introspectiva de refrão pesado “Wrong Love”, a linda e envolvente “Getting Over You”(que belo trabalho de vocais mais uma vez), o Hardão mais pesado de “I Don’t Mind If It Won’t Last Forever (I Want You Tonight)” (com as típicas melodias de canção de comerciais da Hollywood dos anos 80 mais uma vez), a energia mais crua e de refrão chicletoso em “Tattooed Girl In Black”, e o arrasa-quarteirão farofento à lá anos 80 de “Born to Be a Rockstar” e vai ficar grudado neles. Mas nem de longe se pode deixar a versão acústica de “Getting Over You” (que lindas passagens de vozes, com o canto masculino e o feminino se alternando e dando aquela atmosfera terna), e a versão instrumental toda em piano de “Redhead Rocker”. É, o disco todo é bom demais, e vale a aquisição!
Vieram para ficar e conquistar, e o HOT FOXXY tem tudo para ir muito longe. E “Burning Bridges” é o passaporte certo para isso.
